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Cenicienta es Cubana

Sergio Berrocal Jr.

La cantante Camila Cabello, la premiada intérprete de ‘Havana’, se ha convertido en princesa por un día. O, mejor dicho, por una película. Amazon Prime Video hace unas semanas desveló el tráiler del primer largometraje de Cabello como actriz, una de sus primeras experiencias delante de la cámara porque antes solo había realizado el corto ‘Huir’ (2020). Y hoy, la plataforma ha anunciado su fecha de estreno: el viernes 3 de septiembre de 2021.

Cabello será la nueva ‘Cenicienta’ en otra adaptación fílmica más del cuento tradicional y pudimos ver algunas de las mejores imágenes de la cantante como aspirante a princesa, entre ellas la mítica la escena del baile en el que el príncipe azul (encarnado por Nicholas Galitzine) se ‘queda prendado’ de ella. ‘Cenicienta’ está dirigida por Kay Cannon (‘Dando la nota’) y, además de la compositora nominada al Grammy y Galitzine, el reparto lo completan Idina Menzel (la voz de Elsa en ‘Frozen’) y Billy Porter (‘Pose’). Minnie Driver (‘Good Will Hunting’) y Pierce Brosnan (‘Mamma Mia!’) como padre del príncipe también estarán en el elenco de la esperada película. La película contará con una espectacular banda sonora con canciones de Camila Cabello e Idina Menzel, además de otros artistas internacionales.

«Cenicienta es un clásico que todos conocemos y amamos, pero esta nueva propuesta tiene un toque moderno y único, y además, está protagonizada por un reparto estelar encabezado por la increíble Camila Cabello. El productor James Corden y el equipo de producción han reinterpretado el famoso cuento de hadas dándole una perspectiva fresca y empoderada que resonará entre el público y las familias de todo el mundo. Además de la presencia de un fantástico Billy Pose como hada madrina, hay un aspecto que llama poderosamente la atención en el tráiler y es que esta nueva Cenicienta ya no necesita un príncipe que la salve. Como diría la canción de Sabina, «ya no quiere ser princesa»… ahora quiere ser empresaria y tener su propio negocio de confección de ropa. En definitiva, perseguir sus sueños, no un marido.

Cenicienta sueña con tener una firma de moda llamada Dresses by Ella (es el nombre de la protagonista; de Cinderella, Ella) y, al principio del tráiler, asegura: «Tengo que hacer mi propia vida». Frente a su determinación, la oposición de su madre y de los rancios habitantes del pueblo, que no entienden cómo una mujer se quiere dedicar a esto. «Esta chica se cree un hombre de negocios». Para continuar la historia, Billy Porter, que ya no es hada madrina sino Fab G, le viste justo antes del baile como una mujer de negocios, ¿no es esto lo que pedía? Lo más sorprendente de todo es que, rompiendo con la historia tradicional, cuando el príncipe le dice que la quiere a ella a su lado, a ella no le gusta nada la idea. Reniega de un futuro confinada en el sótano de un palacio y «saludando desde el palacio real».

El nuevo revuelo en las redes sociales viene ahora al admirar (porque no se puede decir de otra manera) la primera foto de Billy Porter como ‘hada madrina’, que ha desvelado en exclusiva ‘Entertainment Weekly’. En realidad este no es su papel, sino que interpreta a Fab G., un personaje mágico que quiere sacar lo mejor del castigado interior de Cenicienta. No obstante, ha habido división de opiniones en las redes sociales. Desde aquellos que lo valoran como un cambio mágico y atractivo en la historia –que con el paso del tiempo ha ido perdiendo adeptos por aquello de ver a una mujer que salva su vida a través del matrimonio con un príncipe azul– hasta aquellos a los que les parece una auténtica brutalidad ‘desvirtuar el personaje’.

Según la sinopsis oficial que ha adelantado Amazon Prime Video, «la nueva y audaz versión musical del cuento tradicional seguirá los pasos de Cenicienta (Cabello), una joven ambiciosa cuyos sueños son más grandes de lo que el mundo le permite, pero que será capaz de perseverar y conseguir sus objetivos con la ayuda de su Fab G (Billy Porter)».




Orígenes de aquellos famosos Yamakasi

Sergio Berrocal Jr.

En el momento de su creación el grupo estaba formado por David Belle, Sébastien Foucan, Châu Belle Dinh , Williams Belle, Yann Hnautra, Laurent Piemontesi, Guylain N’Guba Boyeke, Malik Diouf, y Charles Perriere. Que se sometieron a retos como entrenar en ayunas y sin agua o dormir en el suelo sin abrigo para aprender a soportar el frío, forzándose a encontrar la fuerza física y mental para lograrlo. Se autodenominaron los Yamakasi por sugerencia de Guylain. Su significado evidenciaba la mezcla cultural que había entre ellos y representaba con fidelidad el objetivo a alcanzar con su arte. Llamaron a su actividad l’art du déplacement («el arte del desplazamiento»).

Para unirse al grupo, los nuevos miembros tenían que ser recomendados por un miembro existente y pasar unas pruebas con el fin de evaluar su motivación para incorporarse. Complementaron su formación con valores y principios compartidos entre todos los miembros, como la honestidad, el respeto, la humildad, el sacrificio y el trabajo duro. No se permitía llegar tarde a nadie a un entrenamiento ya que frenaba al grupo entero. Si algún miembro lograba completar un reto, todos tenían que hacerlo. Durante sus entrenamientos a nadie se le permitió ser negativo o quejarse, pocas excusas eran permitidas. Por ejemplo, si algún miembro afirmaba que su calzado estaba demasiado deteriorado para realizar un salto, tenía que hacerlo de todos modos, incluso si ello significaba realizarlo descalzo. Al mismo tiempo todos tenían conocimiento de sus propios límites.

Respetar la salud y el bienestar físico era una de sus bases. Si algún miembro se hería durante o después de la ejecución de un movimiento, este era considerado un fracaso. Un movimiento ejecutado una sola vez no se consideraba un logro; el reto solo se superaba mediante la repetición. Cada movimiento debía repetirse por lo menos diez veces seguidas sin que el traceur tuviera que forzar sus límites o provocarse cualquier lesión. Si cualquiera del grupo cometía un error, todos debían empezar todo de nuevo.

La humildad era un principio importante. A ningún traceur se le permitió sentirse superior que el resto, por ejemplo, ejecutando un movimiento sólo para exhibirse ante alguien que no podía realizarlo. Si alguien afirmaba que había logrado un reto difícil y peligroso sin ayuda, tenía que probar sus afirmaciones haciendo el reto de nuevo. Cualquiera que mintiera violaba el principio de humildad.

A pesar del gran énfasis en el colectivo y los principios, cada traceur tenía que progresar y desarrollarse de forma independiente, encontrando su propio camino en el Parkour, cumpliendo con su desarrollo personal. El objetivo era crear los medios para ser tu mismo. Había una completa confianza en el grupo, cada uno de ellos animaba a los demás y mostraba confianza a través de su comportamiento. Si un miembro violaba los principios, el grupo se reunía sin la presencia de la persona infractora para discutir diversos castigos. Cualquier persona considerada inadecuada podía ser apartada de forma temporal o incluso permanente del grupo con el fin de mantener las disciplinas, valores y principios.

A finales de 1990, después de que el hermano de David enviara fotos y un vídeo a un programa de la televisión francesa, la popularidad del parkour comenzó a aumentar. Posteriormente una serie de programas de televisión en varios países, presentó un vídeo del grupo y su popularidad aumentó, comenzando a recibir gran cantidad de ofertas. Finalmente, el grupo original se separó para perseguir diferentes objetivos, algunos se mantuvieron en la disciplina y otros lo dejaron. Sin embargo el número de practicantes siguió aumentando, y la popularidad del parkour se extendió por todo el mundo gracias a la televisión, el cine —con Yamakasi: Los samuráis de los tiempos modernos (Ariel Zeitoun, 2001)— y los vídeos subidos a Internet.

Miembros
Piti (Gordo).
Châu Belle-Dinh (Nicolás).
Williams Belle (Fabián).
Malik Diouf (Crespy).
Yannn H’Nautra (Zicmu).
Guylain N’Guba Boyeke (Sebastián).
Laurent Piemontesi (Tango).
Charles Perrière & Jo Prestia (Daniel).

En el momento de su creación el grupo estaba formado por David Belle, Sébastien Foucan, Châu Belle Dinh , Williams Belle, Yann Hnautra, Laurent Piemontesi, Guylain N’Guba Boyeke, Malik Diouf, y Charles Perriere. Que se sometieron a retos como entrenar en ayunas y sin agua o dormir en el suelo sin abrigo para aprender a soportar el frío, forzándose a encontrar la fuerza física y mental para lograrlo.

Se autodenominaron los Yamakasi por sugerencia de Guylain. Su significado evidenciaba la mezcla cultural que había entre ellos y representaba con fidelidad el objetivo a alcanzar con su arte. Llamaron a su actividad l’art du déplacement («el arte del desplazamiento»). Para unirse al grupo, los nuevos miembros tenían que ser recomendados por un miembro existente y pasar unas pruebas con el fin de evaluar su motivación para incorporarse. Complementaron su formación con valores y principios compartidos entre todos los miembros, como la honestidad, el respeto, la humildad, el sacrificio y el trabajo duro. No se permitía llegar tarde a nadie a un entrenamiento ya que frenaba al grupo entero. Si algún miembro lograba completar un reto, todos tenían que hacerlo. Durante sus entrenamientos a nadie se le permitió ser negativo o quejarse, pocas excusas eran permitidas. Por ejemplo, si algún miembro afirmaba que su calzado estaba demasiado deteriorado para realizar un salto, tenía que hacerlo de todos modos, incluso si ello significaba realizarlo descalzo. Al mismo tiempo todos tenían conocimiento de sus propios límites.

Respetar la salud y el bienestar físico era una de sus bases. Si algún miembro se hería durante o después de la ejecución de un movimiento, este era considerado un fracaso. Un movimiento ejecutado una sola vez no se consideraba un logro; el reto solo se superaba mediante la repetición. Cada movimiento debía repetirse por lo menos diez veces seguidas sin que el traceur tuviera que forzar sus límites o provocarse cualquier lesión. Si cualquiera del grupo cometía un error, todos debían empezar todo de nuevo.

La humildad era un principio importante. A ningún traceur se le permitió sentirse superior que el resto, por ejemplo, ejecutando un movimiento sólo para exhibirse ante alguien que no podía realizarlo. Si alguien afirmaba que había logrado un reto difícil y peligroso sin ayuda, tenía que probar sus afirmaciones haciendo el reto de nuevo. Cualquiera que mintiera violaba el principio de humildad.

A pesar del gran énfasis en el colectivo y los principios, cada traceur tenía que progresar y desarrollarse de forma independiente, encontrando su propio camino en el Parkour, cumpliendo con su desarrollo personal. El objetivo era crear los medios para ser tu mismo. Había una completa confianza en el grupo, cada uno de ellos animaba a los demás y mostraba confianza a través de su comportamiento. Si un miembro violaba los principios, el grupo se reunía sin la presencia de la persona infractora para discutir diversos castigos. Cualquier persona considerada inadecuada podía ser apartada de forma temporal o incluso permanente del grupo con el fin de mantener las disciplinas, valores y principios.

A finales de 1990, después de que el hermano de David enviara fotos y un vídeo a un programa de la televisión francesa, la popularidad del parkour comenzó a aumentar. Posteriormente una serie de programas de televisión en varios países, presentó un vídeo del grupo y su popularidad aumentó, comenzando a recibir gran cantidad de ofertas. Finalmente, el grupo original se separó para perseguir diferentes objetivos, algunos se mantuvieron en la disciplina y otros lo dejaron. Sin embargo el número de practicantes siguió aumentando, y la popularidad del parkour se extendió por todo el mundo gracias a la televisión, el cine con Yamakasi: Los samuráis de los tiempos modernos Ariel Zeitoun, 2001.

El parkour, es una disciplina física basada en la capacidad motriz del individuo, desarrollado a partir del método natural. Los practicantes son denominados traceurs/traceuses y tienen como objetivo trasladarse de un punto a otro del entorno de la manera más sencilla y eficiente posible, adaptándose a las exigencias del mismo con la sola ayuda de su cuerpo. Además, se puede considerar una forma de expresión en cuanto a la libertad, el contacto con todo medio externo y el dominio sobre el propio movimiento natural de cada individuo, se practica tanto individual como colectivo en cualquier entorno, no exclusivamente en espacios urbanos. Cada practicante decide hasta qué punto involucrarse en su entrenamiento y cómo enfocarlo. Su práctica implica la adaptación al entorno para superar los diferentes obstáculos presentes en un recorrido.




Sensación de vivir 90210 cumplirá treinta y un años

Sergio Berrocal Jr.

Sensación de vivir es una serie adolescente americana que se estrenó en 1990 en la cadena FOX. La ficción, con tintes de telenovela juvenil, ganó popularidad debido a su emisión durante el periodo veraniego, mientras la mayoría de producciones se encontraban en el acostumbrado descanso estacional. Sin embargo, eso mismo le valió para alzarse como una de las más populares de la cadena durante la década. La trama se centra en las vidas de un grupo de estudiantes de secundaria y sus familias, residentes en el barrio rico de Beverly Hills. Los personajes se convierten en amigos y enemigos, se enamoran, se rechazan y pasan por diferentes etapas de crisis cuando se involucran en temas de interés social: desde el alcoholismo hasta el apartheid sudafricano, pasando por el embarazo no deseado o el VIH. En este contexto destacan los hermanos gemelos Brandon (Jason Priestley) y Brenda (Shannen Doherty) Walsh, que se trasladan con su familia desde Minnesota al prestigioso ambiente californiano. Ambos son buenos chicos, aunque en ocasiones muestran su rebeldía y están rodeados de amigos y vecinos con los que compartirán sus experiencias de juventud.

Darren Star, productor y libretista estadounidense, es conocido por crear la ficción y participar en otras de la talla de Sexo en Nueva York o Younger. Además, el cineasta estuvo directamente involucrado en el spin-off llamado Melrose Place, que contó con la participación de algunas estrellas habituales de Sensación de vivir. Aunque su apuesta tuvo un inicio titubeante, muchos expertos aseguran que se vio favorecida por la irrupción de la guerra del Golfo. Mientras el resto de cadenas generalistas se centraban en cubrirla, FOX aprovechó para mantener en antena la serie y hacerse con el público que quería desconectar de la realidad y encontrar una forma de evasión.

La ficción quiso dar un paso adelante a la hora de mostrar cómo vivían su sexualidad los adolescentes. En aquel momento, el pensamiento televisivo todavía seguía anclado a la mentalidad de los años 50 y muchos de los arcos argumentales tuvieron que modificarse por la lluvia de protestas que llegaron de los sectores más conservadores de la audiencia. A pesar de que Darren Star se oponía a los cambios, desde FOX no le dejaron alternativa.

Uno de los casos más sonados fue el de la pérdida de la virginidad de Brenda. El penúltimo capítulo de la primera temporada recogió el momento en que la protagonista y su pareja consumaban su relación sin imágenes ni conversaciones explícitas, surgiendo posteriormente la polémica cuando la chica confesó sus temores por haberse quedado embarazada. Para el público acostumbrado a la represión de la sexualidad femenina, esta revelación fue motivo de queja. A fuerza de asegurar que era un contenido ofensivo –no ocurrió así cuando su hermano Brandon tuvo experiencias con un ligue, Star tuvo que romper la relación entre la protagonista y su pareja para poder continuar con la segunda temporada.

La serie se reforzó con un reparto de jóvenes promesas encabezado por Jason Priestley, conocido por participar en las series Call me Fitz y Private Eyes. A él se le unen Jennie Garth , Ian Ziering (Sharknado), Brian Austin Green (California), Tori Spelling (Scary Movie 2), Joe E. Tata (Mujeres de Hollywood) y Luke Perry .

Como curiosidad, cuando la protagonista Shannen Doherty abandonó Sensación de vivir por problemas de convivencia con el reparto y el equipo técnico, su reemplazo fue ofrecido a la actriz Drew Barrymore, que rechazó la oportunidad porque quería centrarse en su carrera cinematográfica. Lo contrario ocurrió con Hilary Swank, la conocida protagonista de Million Dollar Baby, que fue contratada por dos años, aunque su marcha tuvo que anticiparse y esta fue despedida después de unos cuantos episodios.

Sensación de vivir ha sido uno de los entretenimientos juveniles más destacados de la historia de la televisión. Su magnitud fue tal que terminó derivando en un potente spin-off, Melrose Place, y ya en los años 2000, se hizo un remake conocido como 90210, que contó con dos de las protagonistas de la serie original, Jennie Garth y Shannen Doherty. Una telenovela que ha sembrado el precedente del formato actual y que fue capaz de enganchar a espectadores de todas las edades y de cualquier lugar del mundo.




Cubano en Hollywood

Sergio Berrocal Jr.

Jorge García, nació en Omaha, Nebraska. Su madre, Dora Mesa, profesora de origen cubano, y su padre, Humberto García, es un médico nacido en Chile. Creció en San Juan Capistrano en el condado de Orange, California y fue a la High School secundaria de San Clemente. Luchó en la escuela secundaria, donde le dieron el apodo de «Asesino con cara de bebé». Como mayor, fue seleccionado por la facultad como «Tritón del Año», el premio más alto otorgado a un graduado mayor. Jorge García se graduó de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) en 1995 como especialista en Comunicación. Estudió actuación en la escuela de teatro Beverly Hills Playhouse. Llegó a la atención del público con su actuación como Héctor López en el programa de televisión Becker, comenzó a despuntar papeles en la televisión y el cine, pero su carrera realmente despegó y se conoció por su interpretación de Hugo «Hurley» Reyes en la serie de televisión Lost de 2004 a 2010. Jorge García se desempeña como un comediante de pie.

Él protagonizó la serie de televisión FOX Alcatraz y jugó un personaje secundario en ABC Once Upon a Time. García fue el primer actor en ser lanzado en Lost después de que los productores lo vieron en Curb Your Enthusiasm y crearon específicamente para él el personaje de Hugo Reyes. García apareció en el segundo episodio de la octava temporada de Celebrity Poker Showdown, donde perdió ante Michael Ian Black. García está programado para protagonizar la película When We Were Pirates, para la que también es productor asociado. En la película independiente, interpretará a un hombre llamado Jerry, que junto con un grupo de amigos cercanos, aprenden que su amor de la niñez de jugar a los piratas los ayuda a superar algunas de las dificultades que enfrentan más adelante en sus vidas. También se ha visto cantando en el estudio para el proyecto en un clip oficialmente lanzado de YouTube.

Durante la carrera de Lost, García escribió un blog sobre el espectáculo llamado Despachos de la Isla. Él también recibió un podcast semanal, la barba de Geronimo Jack. Jorge García también aparece en la portada del álbum de Weezer Hurley, lanzado el 10 de septiembre de [[2010]. El álbum lleva el nombre de su personaje de Lost. Actuó como vocalista invitado en varios conciertos de Weezer en 2010. El 21 de noviembre de [[2010], Entertainment Weekly emite que Jorge García estará en la próxima serie de televisión estadounidense Alcatraz. El 23 de noviembre de 2010, García hizo una aparición como invitado en (Cómo me encontré) con el episodio de su madre Blitzgiving. En el episodio, se hacen referencias al tiempo de García en Lost.

En 2011, García apareció como un carácter recurrente en [Sr. Sunshine], retratando a un cuidador en el Sunshine Center. A partir de enero de 2012, García retrató al Dr. Diego Soto, experto en Alcatraz, en la serie FOX, Alcatraz. El espectáculo fue un reemplazo a mediados de la temporada de Fox Terra Nova. A pesar de un comienzo impresionante, la serie fue cancelada oficialmente por Fox el 9 de mayo de [[2012], debido a la caída de la audiencia a lo largo de su carrera. García apareció en el podcast Nerdista publicado el 18 de junio de 2012. En 2013, Jorge Garcia interpretó a Steve Wozniak en la película de parodia, Steve, producida para el sitio web de Funny or Die. Después de aparecer como estrella invitada en varios episodios de la temporada cuatro de [Hawaii Five-0], García, que interpreta al personaje de Jerry Ortega, fue promovido a una serie regular a partir de la temporada de [Hawaii Five 5]. En 2015, se unió al elenco de The Healer protagonizada por el actor británico Oliver Jackson-Cohen,Camilla Luddington y Jonathan

The Wedding Ringer (2015) como Lurch.
Los 6 Ridículos (2015) como Herm.
Hawaii Five-O (2013 – ) como Jerry Ortega.
Californication (2013) Camello.
Once Upon a Time (2012) Anton/Gigante.
Alcatraz (2012) Dr. Diego Soto.
Fringe (2011) capítulo 16º de la 3ª temporada.
Mr. Sunshine (2011) como Mattingly.
Maktub (2011) como Carlos.
How I Met Your Mother (2010) capítulo 10º de la 6ª temporada. Colaboración invitada como Steve «Blitz».
Lost (2004-2010) como Hugo «Hurley» Reyes.
Sweetzer (2006) como Sergio.
Deck the Halls (2006) como Wallace.
The Good Humor Man (2005) como Mt. Rushmore.
Little Athens (2005) como Pedro.
Hitman: Blood Money (2005) Voz Sergi C.
Tales From The Crapper (2004) como Raccoon Head.
Curb Your Enthusiasm (2004) Traficante (1 episodio).
Our time is up (2004) (cortometraje).
Becker como Hector López (2003-2004) (10 episodios).
Columbo: Columbo Likes the Nightlife (2003) (Película televisiva) como Julius.
Rock Me Baby (2003) como Vizzy (1 episodio).
The Slow and the Cautious (2002) como Teddy.
Spin City (2001) como Cabbie (1 episodio).
King of the Open Mic’s (2000) como Meatloag.
Tomorrow by Midnight (1999) como Jay.
Raven’s Ridge (1997) como Monty.




Hoy se cumple dos décadas del 11S

Sergio Berrocal Jr.

En la Carta a Estados Unidos de Osama bin Laden de noviembre de 2002, el líder terrorista declaró explícitamente los motivos de Al Qaeda para sus ataques, culpando a la alianza de sionistas y sus colaboradores en una clara referencia a los Estados Unidos. Los principales puntos de sus acusaciones eran el apoyo militar estadounidense a Israel y la presencia de tropas estadounidenses en Arabia Saudí. Antes del 11 de septiembre de 2001, Estados Unidos ya había sufrido una serie de atentados provocados por el terrorismo islámico en las décadas anteriores. Es el caso del atentado contra los cuarteles en Beirut en 1983 que mató a más de 200 soldados estadounidenses y 58 soldados franceses. En 1993, el atentado del World Trade Center, provocado por una furgoneta bomba en los cimientos de una de las torres, mató a seis personas. Los atentados terroristas a las embajadas estadounidenses en 1998 en Kenia y Tanzania causaron la muerte de 213 personas, incluidas doce estadounidenses. Y en el año 2000 el atentado contra el USS Cole, en el cual se utilizó una lancha bomba suicida, mató a 17 marines estadounidenses.

La idea de ataques suicidas con aviones de pasajeros secuestrados vino de Jálid Sheij Mohámed, quien se la presentó por primera vez a Osama bin Laden en 1996,tras fracasar un gran proyecto similar abortado por la policía filipina en 1995 denominado operación Bojinka. En 1999 un grupo de jóvenes musulmanes radicalizados que vivían en Hamburgo (Alemania), y a los que se apodó posteriormente como la célula de Hamburgo, viajaron a Afganistán a recibir formación para luchar contra los rusos en la segunda guerra chechena. En ese momento Osama Bin Laden los captó y en los siguientes meses financió su entrenamiento a fin de convencerlos de realizar ataques suicidas con aviones para chocarlos contra edificios emblemáticos de EE. UU. Bin Laden se inspiró en parte en el vuelo 990 de Egyptair en 1999, en el que se teoriza que el piloto pudo haber estrellado el avión en el Océano Atlántico. El plan original de los atentados del 11 de septiembre de 2001 era secuestrar doce aviones, once de los cuales serían estrellados contra los siguientes edificios:

El Empire State Building (Nueva York)
El Pentágono (Arlington)
La Prudential Tower (Boston)
La Casa Blanca (Washington, D.C)
El Capitolio de los Estados Unidos (Washington, D.C.)
La Torre Sears (Chicago)
La U.S. Bank Tower (Los Ángeles)
La Pirámide Transamerica (San Francisco)
El Columbia Center (Seattle)

Posteriormente, debido a la cantidad de objetivos señalados, se consideró una operación inabarcable y se redujeron los objetivos de once edificios a cinco: las dos Torres Gemelas (que representaban la economía capitalista estadounidense y ya habían sufrido un atentado en 1993); el Pentágono (que representaba el poder militar); el Capitolio (que representaba el poder legislativo) y la Casa Blanca (que representa el poder ejecutivo). Sin embargo, el quinto avión nunca fue secuestrado porque el piloto suicida que lo iba a dirigir (Zacarias Moussaoui) fue detenido fortuitamente por el FBI el 16 de agosto de 2001 por cargos de inmigración irregular.Alrededor de tres semanas antes de los ataques, los objetivos fueron asignados a cuatro equipos. El Capitolio tuvo como nombre en clave «La Facultad de Derecho». El Pentágono se denominó «La Facultad de Bellas Artes». El código del World Trade Center fue «La Facultad de Urbanismo» La idea de secuestrar simultáneamente varios aviones no era nueva. En septiembre de 1970 sucedieron los secuestros de Dawson’s Field cuando miembros del Frente Popular para la Liberación de Palestina secuestraron, en pocos días, cuatro aviones comerciales (más un 5.º intento de secuestro que fracasó) y los desviaron a Jordania y Egipto. Los rehenes fueron liberados días después y los aviones explotados intencionadamente. En el cine ya se había tratado la idea del choque de un avión contra un edificio en la película inglesa The Medusa Touch (1978) y en uno de los capítulos de la serie Los pistoleros solitarios (emitido el 4 de marzo de 2001) se secuestraba un Boeing 727 para estrellarlo contra una de las Torres Gemelas. Los autores de la masacre de la Escuela Secundaria de Columbine (1999) también planearon secuestrar un avión y estrellarlo en Nueva York.20​ En Nueva York ya se había producido, 56 años antes, el impacto de un avión contra un rascacielos: el choque del B-25 contra el Empire State Building en 1945, con catorce víctimas fatales.

Originalmente cLos dos primeros aviones impactaron contra las Torres Gemelas del World Trade Center en la ciudad de Nueva York en Manhattan, el tercero contra el Pentágono, en el Condado de Arlington, cerca de Washington D.C., y el cuarto en un campo abierto en Shanksville (Pensilvania).uatro aviones con 265 pasajeros fueron secuestrados mientras volaban hacia California desde el Aeropuerto Internacional Logan de Boston, el Aeropuerto Internacional Washington-Dulles y el Aeropuerto Internacional Libertad de Newark. Los cuatro aviones tenían como destino el estado de California, los tres primeros hacia Los Ángeles y el último a San Francisco, por lo que sus depósitos de combustible iban llenos con unos 91.000 litros (unos 65.455 kg)Los dos primeros aviones impactaron contra las Torres Gemelas del World Trade Center en la ciudad de Nueva York en Manhattan, el tercero contra el Pentágono, en el Condado de Arlington, cerca de Washington D.C., y el cuarto en un campo abierto en Shanksville (Pensilvania).  Fueron revelados testimonios desde los propios aviones, en los cuales los secuestradores habían tomado el control de estos usando simples navajas con las que mataron a azafatas de vuelo y al menos a un piloto o pasajero. Según las investigaciones de la Comisión del 11-S, se tiene también constancia de que usaron algún tipo de aerosol para retener a los pasajeros en la cabina de Primera Clase. Asimismo, se amenazó con la presencia de una bomba en tres de los aviones, pero no en el vuelo que impactó en El Pentágono. Según las conclusiones de esta comisión, los avisos de bomba eran probablemente falsos. En el cuarto avión, el vuelo 93 de United Airlines, la caja negra reveló que los pasajeros, después de enterarse de que el resto de aviones habían sido estrellados deliberadamente, trataron de retomar el control del aparato. Los secuestradores reaccionaron moviendo el avión en un fallido intento para someter a los pasajeros. De acuerdo con la grabación 9-1-1, uno de los pasajeros, Todd Beamer, pidió a la persona con quien hablaba por teléfono que rezara con él y al finalizar simplemente dijo «Let’s roll». Poco después, el avión se estrelló en un campo cercano a Shanksville, en Pensilvania, a las 10:03 a.m. hora local.

Existe un debate acerca del momento exacto en que el avión chocó contra el suelo, ya que los registros sísmicos marcan el impacto a las 10:06 a.m. Posteriormente, el terrorista de Al Qaeda capturado, Jálid Sheij Mohámed, dijo que el vuelo 93 tenía como objetivo el Capitolio de los Estados Unidos. La exclamación póstuma de Beamer comenzó a ser ampliamente usada en los Estados Unidos después de los ataques. Neil Young compuso una canción con ese título como tributo a las víctimas. Por su parte, la viuda de Beamer patentó la frase como marca registrada. Los atentados extendieron la confusión en todo el país. A lo largo del día se sucedió la publicación de todo tipo de informes y noticias contradictorias sin confirmar. Una de las más recurrentes fue la de que había estallado un coche bomba en la sede central del Departamento de Estado de los Estados Unidos en Washington D.C. Esta falsa noticia pasó por las agencias de noticias y llegó a ser publicada por varios periódicos ese mismo día. Otro informe, difundido por la agencia Associated Press, afirmaba que el vuelo 1989 de la compañía Delta Air Lines, un Boeing 757, había sido secuestrado también. La noticia resultó ser también un error: el avión había sido considerado por unos instantes en riesgo de secuestro, pero finalmente respondió a los controladores aéreos y aterrizó con normalidad en el aeropuerto de Cleveland, Ohio. Las muertes se contaron por miles, falleciendo exactamente 2996 personas, incluyendo 265 muertos en los cuatro aviones estrellados (ninguno de sus ocupantes sobrevivió); 2606 en Nueva York, tanto dentro de las Torres Gemelas como en la base de las mismas, y 125 muertos dentro del edificio del Pentágono. Entre las víctimas se contaban 343 bomberos del departamento de bomberos de Nueva York, 23 policías del departamento de policía de la ciudad y 37 policías de la autoridad portuaria de Nueva York y Nueva Jersey. En 2013 todavía permanecían 24 personas más entre la lista de desaparecidos.




Cuestión de sangre

Sergio Berrocal  Jr.

En la siempre a reivindicar Spotlight, Tom McCarthy atemperaba la épica habitual en los relatos sobre gestas periodísticas reivindicando que la denuncia por parte de la prensa del papel del obispado de Boston en los casos de pedofilia era fruto de un trabajo colaborativo, persistente y cotidiano, y no de una labor heroica. Parte de esta idea se mantiene en Cuestión de sangre, un thriller dramático de aires clásicos sobre un padre de clase trabajadora, Bill (Matt Damon), que viaja a Francia con la intención de sacar de la cárcel a su hija condenada allí por el presunto asesinato de su novia. A partir de la llegada a Marsella del protagonista, la película revierte el patrón del héroe estadounidense común que lucha por su familia contra un sistema injusto en una tierra considerada hostil. Bill asume enseguida que en su misión necesita de la ayuda inesperada en este caso de una actriz francesa, Virginie (Camille Cottin). Y así el film desarrolla la relación a priori imposible entre dos personajes que en otras manos habrían quedado reducidos a arquetipos culturales: Bill, el clásico votante de Trump, hombre de mediana edad, clase trabajadora, conservador y religioso, y Virginie, la típica francesa intelectual de izquierdas. Cuando en el último tramo la historia retoma el cauce del thriller judicial, Cuestión de sangre roza de forma ya peligrosa esa falta de verosimilitud que planea sobre toda la película. Pero McCarthy se mantiene firme en su decisión de no ofrecer las satisfacciones habituales que se esperan de este tipo de películas estadounidenses, tanto en la resolución del misterio principal (¿conseguirá Bill sacar a su hija de la cárcel?) como en lo que a la vida sentimental de los protagonistas se refiere.




Series y realidad

Sergio Berrocal Jr.

El Comisario es una de las series más longevas de la televisión en España tras mantenerse diez años en antena y acumular casi 200 capítulos. Esta ficción fue concebida como una comedia que trasladaba al espectador a la comisaría de San Fernando, donde un grupo de agentes liderados por el comisario Gerardo Castilla luchaban contra el crimen en Madrid. Y ahí empieza el conflicto. La serie narra la vida en la comisaría del ficticio distrito de San Fernando. Trata las investigaciones policiales, el funcionamiento interno del lugar y las situaciones personales de la vida cotidiana de sus agentes, quienes tienen las competencias suficientes para investigar una gran variedad de delitos sin tener que ser derivados a instancias superiores.

En la serie se trataban temas de actualidad para la época como la polémica por las residencias de ancianos ilegales, la trata de blancas, el racismo, la corrupción, el boom de las bandas latinas, el crimen organizado en España e incluso el peligro de las incipientes redes sociales. El Comisario está producida por Telecinco en colaboración con BocaBoca (Al salir de clase). Después del éxito obtenido por la serie Todos los hombres sois iguales, protagonizada por Josema Yuste, Luis Fernando Alvés y Tito Valverde, la cadena encargó a la productora una nueva serie en tono humorístico para su franja de prime time.

Así fue cómo decidió volver a contar con Tito Valverde para el papel protagonista de una primera versión cuyo nombre fue Las calles de San Fernando, pese a que en el último momento se decidió darle un giro radical para convertirla en una serie policíaca que trataba temas de actualidad y que alternaba historias dramáticas con momentos más relajados y anecdóticos.

El Comisario fue la primera ficción española que mostró en pantalla técnicas de la policía científica además de ser pionera en la utilización de efectos especiales que eran propios del cine, otorgando de esta forma mayor realismo a las tramas. Por otro lado, los actores contaron con la ayuda de la Policía Nacional en el uso de armas, argot profesional y otros asuntos, al igual que ocurrió con el equipo de guion.

La ficción fue distinguida con diferentes premios entre los que destacan ATV a la Mejor Serie de Ficción, a la Mejor Interpretación Masculina (Tito Valverde), Mejor Dirección Artística y Mejor Realización. También recibió una Mención Pública del Cuerpo Nacional de Policía en 1999 “en reconocimiento a la aportación a la estima que la sociedad dispensa hacia el servicio de los policías del cuerpo”.

La ficción está protagonizada por Tito Valverde (Todos los hombres sois iguales), Juanjo Artero (Verano Azul) y Marcial Álvarez (Bandolera), pero hubo muchos más. A lo largo de sus diez años de emisión también formaron parte de su elenco artístico Fernando Andina (Al salir de clase), Cristina Castaño (La que se avecina), Elena Irureta (Allí abajo), Cristina Perales (Singles), Joaquín Climent (Física o Química), Tristán Ulloa (El secreto de Puente Viejo), Silvia Abascal, Paula Echevarría (Velvet), Mar Regueras (Rencor) o Pilar Punzano (Cuéntame cómo paso).

Como curiosidad hay que destacar que los actores Fernando Andina, Marisol Membrillo, Paula Echevarría y José Luis Torrijo ya habían aparecido en anteriores temporadas como personajes episódicos, antes de que dieran vida a Lucas Aguilar, Geli Chamorro, Clara Osma y Santos Marino respectivamente. Otro hito de El Comisario es que fue la primera serie española en emitir un capítulo en tiempo real, concretamente el último de la décima temporada. Una técnica narrativa que genera en el espectador la sensación de que los hechos están ocurriendo en ese mismo momento al sentir que forma parte de la trama como si fuera un personaje de la misma. El Comisario fue una serie que innovó tanto en temática como en la forma de producir y contar historias, queriendo siempre ser fiel a la realidad. De esta forma el espectador conectó al descubrir el funcionamiento de un cuerpo de policías mientras conocía la otra cara de los problemas que afectaban a la sociedad.




Fallece Jordi Rebellón «Jugábamos a ser doctores»

Sergio Berrocal Jr.

El conocido actor Jordi Rebellón, popular por encarnar al doctor Vilches en la serie Hospital Central, ha fallecido este miércoles. La triste noticia ha sido adelantada por la revista Hola en su edición digital, explicando que Rebellón, que tenía 64 años, había sufrido un ictus. Aunque sus orígenes se encuentran en el teatro, el intérprete triunfó en la pequeña pantalla. Su primer papel en una serie de éxito fue también como doctor en ‘Médico de Familia’. Aunque su reconocimiento llegó con ‘Hospital Central’. Algunos de sus compañeros ya han reaccionando en redes sociales. Es el caso de Lidia San José que sí conocía que el actor estaba enfermo. Jordi Rebellón era conocido como el ‘George Clooney español’, Rebellón solo tenía buenas palabras para el actor estadounidense. «Es un estupendo actor y uno de los más queridos por el público femenino, pero, insisto, sobran las comparaciones. En lo que no me importaría parecerme es en su sueldo». Rebellón aparecería también en otra mítica serie en España Cuéntame como pasó o en Amar es para siempre, por lo que su rostro era uno de los más conocidos del país. Desde Garay Talent, la agencia de representación del actor comunicaban la triste noticia. «Siempre estarás en nuestros corazones.

El actor comunicaba en redes sociales hace seis meses que su madre había fallecido. «Agradecer muy efusivamente a Hermanas hospitalarias y al personal sanitario del Hospital de San Rafael de Barcelona, el trato impecable de cariño, generosidad y profesionalidad en los últimos momentos de vida de nuestra madre Paquita. Gracias», escribió. en redes. A sus 64 años el actor barcelonés había compartido hace poco tiempo en sus redes sociales una imagen con algunos de sus compañeros de «Hospital Central».

Jordi Rebellón interpretó al Doctor Vilches durante 12 años y siempre tuvo palabras de agradecimiento para un personaje que le hizo tan famoso como deseado en media España aunuqe reconocía que le costaría toda su carrera quitarse esa imagen, que tanto había impactado en el público. Porque el actor ha tenido una dilatada carrera no solo en televisión, sino también cine y teatro. Sus últimas obras fueron El funeral, en la que compartió protagonismo con Concha Velasco (que ha anunciado su retirada) o La dura vida de un catalan en Madrid. Además, el próximo mes de octubre iba a volver a subirse a las tablas con Comedia sexual de una noche de verano, la adaptación de la obra de Woody Allen que se iba a representar en Las Palmas de Gran Canaria.

Estudió Interpretación en la Escuela de Actores de Barcelona y Musical América en Estudios Isadora, además de Bailes de Salón. También se preparó en Canto y Voz en la Asociación de Actores Profesionales de Cataluña y en Análisis Escénicos e Interpretación en el Instituto de Teatro P. Plaella. Otros de los papeles destacados de Jordi Rebellón fueron realizados en las series Amar es para siempre, como el bioquímico Luis Ardanza, y Sin identidad en Antena 3. Tras su paso por Cuéntame como pasó, siguió siendo un rostro familiar en TVE gracias a sus personajes en Servir y proteger y en la exitosa Mercado Central, donde permaneció hasta el final de su última temporada este mismo año.




El Escuadrón Suicida bate las taquillas de HBO

Sergio Berrocal Jr.

La nueva cinta de James Gunn supera los registros de Wonder Woman 1984, pero su recaudación mundial queda por debajo de lo esperado por Warner Bros. El Escuadrón Suicida (2021) se ha convertido en la película de DC más vista en HBO Max durante su estreno. La plataforma premium de HBO, actualmente no disponible en España y con estrenos simultáneos con el cine, acumuló en sus primeras tres semanas más de 4,7 millones de visualizaciones en Estados Unidos; por delante de los 3,9 millones de usuarios únicos acumulados por Wonder Woman 1984 en el mismo periodo de tiempo.

La nueva película de James Gunn, un reinicio de la licencia respecto a la cinta de 2016, no solo ha puesto de acuerdo a gran parte del público, con más del 91% de aprobación por parte de usuarios verificados en Rotten Tomatoes (la original tuvo un 26%), sino que es también la producción de DC con más visualizaciones en sus semanas de estreno en HBO Max. Además de superar a Wonder Woman 1984, la nueva aventura cinematográfica de El Escuadrón Suicida supera los 3,2 millones de espectadores de Zack Snyder’s Justice League, otro de los grandes estrenos de la compañía en el presente año. Estos buenos resultados no mejoran, sin embargo, los 5,5 millones de espectadores de Mortal Kombat ni los 5,1 millones de visualizaciones únicas de Godzilla vs Kong, sin embargo.

Además, este éxito de audiencia de El Escuadrón Suicida no se corresponde con un éxito en taquilla ni en recaudación total. Bien sea por las particularidades de la COVID-19, que ha afectado directamente a la asistencia al cine en todo el mundo, o bien por otras circunstancias, Warner Bros. ha quedado insatisfecha con el rendimiento de la película a nivel financiero. Con 142,8 millones de dólares recaudados a nivel mundial, la gigante norteamericana esperaba más de los supervillanos Harley Quinn, Bloodsport, Peacemaker y compañía.

No en vano, la reputación de la marca The Suicide Squad ha mejorado ostensiblemente en el cine y, a juzgar por los planes de DC, hay muchas obras en camino que seguirán explorando este universo. Para 2022, Warner tiene planeado el estreno de The Batman, DC League of Super-Pets, Blac Adam, The Flash, Squaman and the Lost Kingdom y Shazam! Fury of the Gods.




Los Hermanos Russo golpean la mesa

Sergio Berrocal Jr.

Los hermanos Joe Russo y Anthony Russo a pesar de ser relativamente desconocidos, ya que solo habían trabajado en series como Community, Finales felices y Arrested Development, fueron contratados por Marvel Studios para hacer Capitán América: El soldado de invierno (2014) y el resultado fue espectacular. Por eso, en los siguientes años se encargaron de Capitán América: Civil War (2016), Vengadores: Infinity War (2018) y Vengadores: Endgame (2019). Después de estrenar el mega proyecto de la guerra contra Thanos, se dieron un descanso de los superhéroes. Aunque eso no evita que planeen regresar a la franquicia. Los rumores más interesantes aseguran que adaptaran Secret War, lo que sería un acontecimiento a la altura de la Guerra por las Gemas del Infinito. Pero existe un problema y es que a los hermanos Russo no les ha gustado nada lo que está ocurriendo entre Marvel Studios y Scarlett Johansson. Ya que la actriz ha demandado al estudio de cine por hacer un estreno de Viuda Negra mixto en salas y la plataforma de streaming Disney Plus, a la que se puede acceder mediante este enlace. De hecho, desde la demanda, los directores de Vengadores: Endgame llegaron a un punto muerto en las negociaciones para dirigir otra película de la saga. Ya que todo lo que está ocurriendo los ha dejado inseguros de cómo se distribuiría su próxima película y cómo se les pagará.

Esto demuestra una vez más que hay mucha gente que todavía no acepta que el mundo ha cambiado y que será muy complicado que regresemos a la situación en la que estábamos en 2019, precisamente cuando se estrenó Vengadores: Endgame. En 2019, Marvel Studios arrasó con Vengadores: Endgame recaudando más de 2.797 millones de dólares, pero en 2020 no estrenaron películas debido a la pandemia y se esperaba que 2021 fuera la gran recuperación. Pero Viuda Negra tan solo ha recaudado 371 millones de dólares, una cifra muy baja para la franquicia, por lo que pasará algún tiempo hasta que veamos otra película superar los 1.000 millones de dólares. Por suerte, siguen teniendo grandes planes para todos estos personajes. Además Secret War sería el gran evento que impactaría mucho a los fans. Sobre todo si lo dirigen los hermanos Russo que han demostrado que son capaces de manejar una gran cantidad de superhéroes a la vez.




Candyman

Sergio Berrocal Jr.

Aunque no hubieras visto Candyman, sabías que no debías decir su nombre cinco veces. En 1992, la seductora obra maestra de terror de Bernard Rose inspiró un trauma colectivo sobre las abejas, los espejos y la inquietante obra al piano del compositor Philip Glass. Invoca por tu cuenta y riesgo al Candyman, nos decía la película, y su mensaje salía del cine y llegaba a los patios de recreo de todo el mundo, donde se extendía entre los niños demasiado pequeños para verlo. Candyman, un espectro imponente, torturado y sensual, con un garfio en la mano, aparecía en el espejo y te mataba si decías su nombre cinco veces seguidas. Casi 30 años después, Candyman está de vuelta, por si acaso lo has olvidado.

En manos de la cineasta Nia DaCosta, el nuevo Candyman -secuela directa de la película de 1992- enriquece los temas que cuajan bajo la superficie del original. Aclara algunas de las lógicas más confusas de la obra de Rose, y reconfigura al propio Candyman no sólo como una figura terrorífica del folclore moderno, sino como una encarnación del trauma generacional a lo largo de las décadas.

DaCosta, que también coescribió la película con el ganador del Oscar Jordan Peele (Get Out) y el productor Win Rosenfeld, sabía que sería una tarea hercúlea continuar la historia de Candyman, sobre todo cuando la película original se metió con tanto éxito bajo nuestra piel. Pero entonces pensó en por qué afectó a tanta gente. “Cuando pienso en las películas de terror con las que crecí, la mayoría tenían lugar en los suburbios”, recuerda. “Pienso en películas como Halloween, que suelen tratar sobre asesinos en serie implacables, o sobre el hastío de los suburbios. Eran cosas que no entendía como persona que vivía en una gran ciudad. Candyman se sentía más cerca de casa”. Como en cualquier ciudad en expansión, ambas películas dan la sensación de estar muy ocupadas y, a la vez, de estar opresivamente aisladas. En Candyman, de Rose, una joven estudiante de posgrado (Virginia Madsen) investiga las historias de un asesino con manos de gancho (Tony Todd) que masacra a los residentes del proyecto de viviendas Cabrini-Green de Chicago. Situado en la periferia de los edificios de apartamentos de lujo, el bloque de pisos es un monumento vivo a la violencia y la desigualdad racial.

En la secuela, Cabrini-Green ha sido demolido y sustituido por un nuevo desfile de viviendas caras, y el artista bloqueado Anthony (el ridículamente carismático Yahya Abdul-Mateen II) elige tanto su trágica historia como la leyenda de Candyman como su última inspiración. Pronto descubre escalofriantes vínculos entre su propia educación y el violento pasado de Cabrini-Green, todo ello al margen de una nueva oleada de asesinatos.




Marvel estrena una historia chin luz , chin gas y chin na

Sergio Berrocal Jr.

«Este viernes, el MCU regresa a la gran pantalla con el estreno de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, su primera película con un protagonista asiático, el especialista en kung-fu Shang-Chi (Simu Liu). Destin Daniel Cretton ha prometido un filme de artes marciales como Matrix como referente, y las primeras reacciones prometen que contiene las mejores escenas de acción de Marvel. Si a todo esto le sumamos un elenco estelar que cuenta con Awkwafina y el veterano Tony Leung, ¿qué puede salir mal? Por lo pronto, Kevin Feige se ha encargado de aumentar nuestras ganas de ver lo nuevo de Marvel al asegurar que la escena postcréditos de la película es tan importante para su universo de capas y mallas como en su día lo fue la de Iron Man, con Nick Furia (Samuel L. Jackson).

En una entrevista para Comic Book, el jefazo de Marvel Studios ha asegurado lo siguiente: «Bueno, no queremos hacer spoilers de nada, pero creo que el final de esta película apunta claramente la forma vital, importante y directa en la que Shang-Chi entra en este mundo. Nos recuerda a Nick Furia en Iron Man, diciéndole a Tony Stark: ‘Eres parte de un universo más grande, solo que aún no lo sabes’. Y sin desvelar nada, algo muy similar pasa a Shang al final de este filme». Por lo que podemos deducir de sus palabras, el protagonista podría ser reclutado por alguien en los últimos minutos de Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, aunque también es posible que Feige esté dando a entender que las acciones de Shang-chi provocarán un universo compartido con nuevos superhéroes marvelitas. Sea como fuere, la comparación no hace más que aumentar las expectativas sobre lo que nos depara este nuevo proyecto del MCU. El viernes sabremos por fin si Shang-Chi está a la altura. Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos tiene lugar en el presente de la línea temporal del UCM, tal y como su director, Destin Daniel Cretton, explicaba no hace mucho en una entrevista sobre la película. Esto quiere decir que la trama de Shang-Chi tiene lugar después del famoso “Blip”, cuando Hulk utilizó las Gemas del Infinito recuperadas por los Vengadores para devolver a la vida a la mitad del universo aniquilado por el chasquido de Thanos al final de Vengadores Infinity War.

La nueva película del UCM sigue los eventos de Vengadores Endgame, unos cinco años después del fatídico chasquido de Thanos en Vengadores Infinity War, teniendo lugar cronológicamente junto a otros filmes posteriores como Spider-Man: Lejos de casa, Spider-Man: Sin camino a casa o Eternals, además de las series ya estrenadas en Disney+ como Bruja Escarlata y Visión o Falcon y el Soldado de Invierno. Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos se estrena en cines de todo el mundo, España incluida, este viernes 3 de septiembre.




IKA Fun sentencio , Adiós Adalberto Álvarez

Sergio Berrocal Jr.

El músico, compositor, arreglista y director de orquesta cubano Adalberto Álvarez falleció hoy en La Habana, según publica la casa discográfica EGREM en su página de Facebook. Según una nota del Instituto Cubano de la Música., el deceso ocurrió en la madrugada por una disfunción múltiple de órganos, a consecuencia de una neumonía derivada de la Covid-19.

El caballero del son, como también era conocido entre todos los cubanos, fue fundador de dos de las más exitosas bandas cubanas de todos los tiempos: Son 14 y Adalberto Álvarez y su Son. Estudió en la Escuela Nacional de Arte (ENA) desde 1966 hasta 1972. Fue profesor de Literatura Musical en la Escuela Provincial de Arte de Camagüey desde 1973 hasta 1978.Inició su carrera artística como ejecutante de la paila en 1957. Más tarde fue arreglista y director del conjunto de su padre, Enrique Fortunato Álvarez (Nené), Avance Juvenil, en Camagüey. El conjunto Rumbavana le popularizó una de sus primeras composiciones: Con un besito mi amor (1971). En 1978, a propuesta del compositor santiaguero Rodulfo Vaillant, fundó el grupo Son 14, que debutó en Santiago de Cuba el 11 de noviembre del mismo año. El 25 de febrero de 1984 debutó en Santiago de las Vegas su segunda agrupación: Adalberto Álvarez y su Son.. Representó a Cuba en disimiles festivales y escenarios nacionales e internacionales, en los que siempre defendió el Son cubano, pasión que le retribuyeron sus colegas y espectadores al llamarlo El Caballero del Son. Fue el principal animador de los trabajos para declarar el Día del Son en Cuba, celebrado por vez primera el pasado 8 de mayo. Ganador del Premio Nacional de Música en 2008, fue acreedor también de la Distinción por la Cultura Nacional y la Orden Félix Varela y recibió en varias ocasiones el Premio Cubadisco, entre otras distinciones que expresan la calidad y el carácter renovador de su prolífica obra. Electo por el municipio Camagüey, fue diputado a la Asamblea Nacional del Poder Popular entre el 2013 y 2018. Con la partida física de este gran creador, la música popular cubana pierde a uno de sus más genuinos exponentes y el público bailador a uno de sus artistas más queridos. El presidente de la República de Cuba Miguel Díaz-Canel Bermúdez compartió en Twitter sus condolencias por la muerte del reconocido músico Adalberto Álvarez. — «Extendemos nuestras más sentidas condolencias a la familia del excelente músico Adalberto Álvarez, a sus amigos y al pueblo de Cuba que lo tiene como uno de sus artistas más queridos». —

Quien alguna vez conoció Adalberto Álvarez sabia que tenia hecho Ifá y por lo tanto era Babalawo , aunque muchos lo sabían pocos eran aquellos que lo cantaba a los cuatro vientos. No obstante este años para el mundo religioso es de cierta forma un año funesto. Aquella famosa letra del año que se suele sacar en aquella isla bonita hablo y sentencio con el signo IKA FUN , una letra donde ifá habla del código ético del sacerdote  y de los diez sus seis mandamientos. Un signo complejo que este año se ha llevado por delante a Babalawos reconocidos como Ángel Custodio Padrón Cárdenas Baba Eyiogbe,  o Manuel Pérez Andino Ogbe Yono entre otros tantos.  » Ika fun loroni kiyate adIfáfun abaraniregun akuko eyele lebo kaferefun Obatala.»

Ibae E Ibae Tonu Adalberto te fuistes para otra tierra

 

 




Entre asesinatos y criminales

Sergio Berrocal Jr.

La serie de televisión Power Rangers es de las más conocidas del Tokusatsu: género al que pertenecen las películas y programas (casi siempre japoneses) de acción real en donde se hace un uso intensivo de efectos especiales. Emitido desde 1993, se basa en imágenes de la franquicia japonesa Super Sentai Series, y su éxito fue tan grande que entre 2002 y 2009 fue propiedad de The Walt Disney Company. Actualmente sigue emitiéndose al aire y ya se están grabando los nuevos episodios que se podrán ver a partir del año que viene.

La historia comienza con los Mighty Morphin Power Rangers, después de que una bruja alienígena, Rita Repulsa, se escapara de su prisión espacial. Junto a sus secuaces, estableció un castillo en la Luna y comenzó un ataque contra la Tierra, con el objetivo de conquistarla. Pero Zordon, un hechicero atrapado por Rita en un agujero en el tiempo, y su asistente robótico, Alpha 5, reclutaron a un equipo de adolescentes para convertirlos en los Power Rangers y defender el planeta. Primero fueron cinco los afortunados y valientes jóvenes encargados de este plan, y luego se sumó un sexto. A lo largo de los casi mil episodios que conforman las 27 temporadas de la serie, los Power Rangers se han convertido en referentes de la lealtad y la bondad para más de una generación de niños. Detrás de esas coloridas y aparentemente irrompibles armaduras se esconden actores que, en muchas ocasiones, debieron enfrentar destinos terribles.

Ricardo Medina Jr., intérprete del Power Ranger rojo en Power Rangers Wild Force y de uno de los villanos en Power Rangers Samurai, fue arrestado el 1 de febrero de 2015, acusado de apuñalar con una espada y asesinar a su compañero de habitación en California. Unos días después fue liberado pero la investigación continuó y, finalmente, el 30 de marzo de 2017 fue sentenciado a seis años de prisión tras declararse culpable. Además de su trabajo en la serie infantil, había realizado apariciones en el programa Urgencias y en CSI: Miami.

El 15 de noviembre de 2004 en los Estados Unidos causó conmoción el asesinato del matrimonio Thomas y Jackie Hawks, ocurrido en Arizona. Ellos eran propietarios de un lujoso yate y, después de utilizarlo como hogar permanente y para viajar por el mundo, ese año decidieron ponerlo en venta. Un hombre llamado Skylar DeLeon ofreció 440 mil dólares por la embarcación. En la primera reunión que tuvo con la pareja, ellos aceptaron la oferta. En la segunda, donde supuestamente iban a concretar la transacción, los Hawks perdieron la vida.

El caso tomó aún más trascendencia cuando algunos medios locales aseguraron que DeLeon se había puesto en la piel del superhéroe rojo en los Mighty Morphin Power Rangers, la etapa más exitosa del programa. Sin embargo, luego se comprobó el error: en realidad había aparecido en un solo capítulo, transmitido en 1994, en el que interpretó como extra a un niño y ni siquiera tenía guión.

Los cuerpos de los Hawks nunca aparecieron, pero DeLeon reconoció el delito, admitió que su objetivo era hacerse con el cobro y quedarse con el yate. También fue declarado culpable de la muerte de Jon Jariv, un hombre de 45 años al que decapitó para quitarle 50 mil euros, ocurrida en 2003. Finalmente, el ex actor de los Power Rangers fue declarado culpable de tres cargos de asesinato en primer grado y sentenciado a muerte con inyección letal. Aún se encuentra en espera de su ejecución en la prisión estatal de San Quentin.

El verdadero intérprete del Power Ranger rojo fue Austin St. John, un especialista en artes marciales que por aquel entonces tenía 17 años. Después de la segunda temporada de la serie, comenzaron a circular rumores que indicaban que se había volcado a la pornografía. Por este motivo sus fans y la industria le dieron la espalda, y su carrera como artista quedó trunca.

Consiguió trabajos como paramédico y bombero, mientras negaba rotundamente haber participado en cintas XXX. Claro, en esa época, sin Internet, era más difícil negar las versiones que ya habían sido publicadas en los medios. Tiempo después se supo que todo había sido un error: lo habían confundido con un actor porno que se hacía llamar Porn Ranger…

A otro de los actores que interpretó al líder de los Rangers el destino le jugó una mala pasada. Pero en este caso, de manera trágica. Pua Magasiva, el Ranger rojo de la saga Ninja Storm, fue encontrado sin vida el 11 de mayo del año pasado en su casa de Wellington. La policía no informó la causa del deceso y, según informó el Daily Mail por aquel entonces, no hay ninguna circunstancia sospechosa que devele que la muerte haya sido por algún delito.

Este no fue el único caso de muerte inesperada. La actriz vietnamita Thuy Trang, que se puso el traje amarillo en las primeras temporadas de la serie, falleció el 3 de septiembre de 2001 en un accidente automovilístico. Ella y una amiga eran pasajeras en un vehículo que circulaba por una ruta de San Francisco por la noche. En un momento el conductor perdió el control del automóvil y giró violentamente hasta chocar contra la pared rocosa de la carretera. El chofer fue el único sobreviviente. El capítulo La falta de Circuit de Power Rangers Time Force fue dedicado a su memoria.

La actriz neozelandesa Peta Rutter también corrió una suerte similar. Conocida por su papel como la Ranger blanca en la temporada Mystic Force, pero también con trabajos menores en otras series y en cine, murió el 20 de julio de 2010, con tan solo 50 años, por complicaciones derivadas de un tumor cerebral.

Las muertes trágicas no terminan ahí. Richard Michael Genelle, Ernie en la serie, dueño del bar al que iban los justicieros, murió en diciembre de 2008, a los cuarenta y siete años, de un ataque al corazón. Un episodio cardíaco también se cargó con la vida de Robert Marahan, la voz de Zordon, el mentor de los rangers, a los cuaranta y tres años.

Machiko Soga, actriz y cantante japonesa de amplia trayectoria en el anime en su país, se puso en la piel de la malvada y recordada Rita Repulsa en los Mighty Morphin Power Rangers. En agosto de 2005 le diagnosticaron un cáncer de páncreas y el 7 de mayo de 2006 un amigo la encontró muerta, cuando la fue a visitar a su casa. Tenía sesenta y ocho años. En su memoria, los productores de Power Rangers Mystic Force utilizaron imágenes suyas en los episodios finales de la temporada.

David Yost interpretó al recordado Ranger azul durante las primeras cuatro temporadas. Sin embargo, de un día para el otro, su personaje desapareció. La repentina salida se explicó bajo el pretexto que debía viajar al planeta de los Alien Rangers para sanar un mal sin cura en la Tierra y que luego decidió quedarse allí, para poner sus conocimientos al servicio de la raza. Luego se supo que en realidad el actor renunció porque era víctima de discriminación por su orientación sexual en el set de grabación. El intérprete contó que hizo terapia por el sufrimiento y el trauma que le produjo el maltrato.

El último hecho lamentable vinculado a los Power Rangers tuvo como protagonista al ex actor y luchador de artes marciales mixtas Jason David Frank, quien se puso el mítico traje verde durante varias temporadas (y en alguna ocasión también el rojo). En 2017, un hombre fue detenido tras intentar introducir una escopeta y tres pistolas cargadas en la Comic Con de Phoenix, Arizona, con el propósito de asesinar a Frank, pero la policía rápidamente lo detuvo.

“Solo quiero que vaya a la cárcel y reciba ayuda psiquiátrica”, dijo por aquel entonces Frank. Así fue: a principios de año lo condenaron a 25 años de prisión, pena que cumple en el hospital psiquiátrico del Estado de Arizona, tras ser declarado mentalmente enfermo.




The Room 513, bajo el son de Soy Tata Nganga

Sergio Berrocal Jr.

En el año de 1979, el Festival Internacional del nuevo cine latinoamericano de La Habana materializó los sueños de un grupo de destacados cineastas del continente quienes dejaron plasmada la existencia de un nuevo cine. Cuatro décadas más tardes y después del triunfo del largometraje dirigido por Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío, “Fresa y Chocolate”, volvimos al histórico Hotel Nacional la entrada de aquel santuario de la hostelería, nos interpeló un agente de seguridad, algo que a mí, recién llegado, me pareció curioso ya que sin haberle dicho ni media palabra conocía nuestra procedencia y objetivos. Tras el encuentro con aquel curioso personaje nos topamos con una amiga periodista cubana quien nos esperaba sentada degustando un buchito de café en los jardines del Hotel Nacional.

Invitados a participar en las deliberaciones del  jurado de los premios Glauber Rocha, creados por la Agencia Prensa Latina, que recayó días más tardes en el largometraje “Habanastation” decidimos pasearnos por aquel barrio chino cercano al Yara donde se proyectaba la película “Chamaco”.

Esta cinta cuenta los entresijos de un asesinato sucedido en el parque central de La Habana entremezclando corrupción y prostitución en los desconocidos bajos fondos de la capital, un verdadero descubrimiento para el extranjero.

El filme terminó provocando grandes discusiones.

Mientras esperaba y veía pasar una y otra vez actores internacionales como Benicio del Toro, un ya mayor Alfredo Guevara en silla de rueda y en compañía de su bella nieta Claudia se me acercó y me saludo:

  • ¿Usted es el hijo del compañero Berrocal verdad? ¿Por dónde anda el patriarca que hace tiempo que no lo veo? Déjeme invitarlo a una pequeña reunión que tiene lugar aquí mismo en la Sala Rosada esta noche. Espero verlo por allí. Salúdeme a su padre.

Cuando por fin mis amigos Ramón Díaz Hernández y Rafael Lam llegaron le trasladé lo sucedido con el presidente del festival. Fue entre risas que Ramón exclamó:

-No sé de qué te extrañas. Tu tía Adela (Adela Escartín Ayala) ha sido una figura muy importante en Cuba, tanto en el cine como en el teatro.

Subidos en un viejo Chevrolet partimos en dirección a Guanabacoa donde nos esperaba el babalao Enriquito Hernández quien ese mismo año había participado en un documental que Roberto Chile presentaba durante el festival de cine bajo el título “Soy Tata Nganga”.

Allí en la Hata descubrí a aquel santero altamente ligado a la revolución cubana, que en tiempos estuvo muy en contacto con mi tía Adela.

De camino al Vedado, decidimos pararnos en la calle 23 entre 10 y 12 donde compartimos unos roncitos mientras escuchábamos la voz de una cantante local que se producía allí.

Una horas más tarde, llegamos al restaurante donde Ramón había reservado mesa. Era uno de los lugares más emblemáticos de La Habana.

Durante la comida nos contó:

  • En 1993 Tomas Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío, deciden filmar “Fresa y Chocolate”, que en sí es la primera película que pone a Cuba en el mapa mundial, aunque ciertamente levantó ampollas, pero quienes querían internacionalizarla eran el comandante Fidel y Alfredo Guevara. Fueron los años en los que Pepe Horta reinaba y el festival tenía su lógica. Literalmente estamos donde se filmó una pequeña parte de la historia del cine cubano en esta calle de Gervasio y Escobar, donde estamos actualmente. Déjame decirte que estas escaleras que vez aquí la subieron, Tom Jones, la Reina Sofía, Jack Nicholson y la propia Naomi Campbell. Estás pisando historia.

Siete años más tarde esta historia se apagó con la desaparición del dramaturgo Ramón Díaz fallecido en el hospital Fajardo y de Enriquito Armentero, recientemente desaparecido a los noventa y nueve años en aquel barrio de la Hata.

En definitiva, aquella Cuba que yo disfruté desapareció en el silencio del Malecón junto a sus protagonistas.




Cuando Oddua llego a Wakanda

Sergio Berrocal Jr.

 

La película de Marvel Studios Black Panther sorprendió al convertirse en el primer largometraje de superhéroes en ser considerado suficientemente bueno como para optar a convertirse en Mejor Película de los Oscar.

La película ha sido la más taquillera en las últimas décadas en Estados Unidos. Procedente de los estudios Marvel, Black Panther se postula a ser la sucesora de míticos largometrajes tales como Superman dirigida por Richard Donner quien en 1978 otorgo la fama mundial al desaparecido Christopher Reeve por su papel de Clark Kent. Marvel Studios, que está a punto de estrenar en China el 8 de marzo próximo su nueva película titulada Capitana Marvel consigue hacer historia con el primer héroe negro en la gran pantalla a ser nominado a los Oscar y optar así a siete estatuillas. A finales de 1940, poco después de concluir la escuela secundaria, Stanley Martin Lieber, creador de comics, consiguió un trabajo de ayudante en la editorial Timely Comics (hoy Marvel Comics), entonces propiedad de Martin Goodman.

A los 20 años, debutó como guionista con un relato de dos páginas protagonizado por el Capitán América. Su objetivo entonces era convertirse en un escritor a la altura de sus admirados Robert Louis Stevenson, Arthur Conan Doyle o Edgar Rice Burroughs. Pero firmó este primer trabajo con el seudónimo de Stan Lee y en 1961 le llegó el éxito con la creación de los 4 Fantásticos. Pero todavía tenía muchas historias más por crear.

En unos pocos años, creó junto con Jack Kirby y Steve Ditko a la gran mayoría de los personajes clásicos de la editorial. Este éxito hizo que Marvel se convirtiera en la editorial más importante del momento, y marcó el comienzo de la llamada Edad de Plata del cómic estadounidense. Incansable difusor de Marvel, Stan Lee no deja de escribir columnas y guiones ocasionales. Entre ellos, la serie de especiales (Just Imagine Stan Lee…) de 2001 para DC Comics, la principal competidora de Marvel, donde recreaba a los principales personajes de su universo (Superman, Batman, Flash, entre otros).

Conscientemente o no, la utopía de Lee y Kirby dio forma a uno de los primeros superhéroes afroamericano de la historia de Marvel mucho antes de la aparición del Partido Panteras Negras de Autodefensa en los Estados Unidos, que aparecía en la portada del volumen uno del número cincuenta y dos de los Cuatros Fantásticos. En julio de 1966 aparecía el personaje de Pantera Negra, El príncipe Bantú.

Los bantúes están divididos en cuatro grupos principales. Entre los más característicos figuran, de norte a sur, los fang, bakuba, baluba, lingala, bakongo, hutus, baganda, kikuyus, tongas, bechuanas, hereros, swazi, sotho, zulúes y xhosa. La gran extensión en África del complejo lingüístico-cultural bantú y su gran cantidad de hablantes se debe a un controvertido proceso históricamente conocido como expansión bantú, originado en el área centro-occidental africana y dirigido hacia el este y el sur del continente.

Con la expansión étnica de estos grupos también se difundió sus cultos y creencias de orígenes congas emigradas a Cuba mediantes sistemas secreticos como la religión yoruba, que se subdivide en ramas litúrgicas tales como la Osha e Ifá y por otro lado y sin embargo muy alejada de dicha rama el culto de los bantús oriundos de Nigeria de donde nace el Palo Mayombe.

Recuerdo que el director de arte dramático cubano Ramón Díaz me solía contar que allá por 1973 Fidel Castro Ruz fue apodado por su pueblo como «El caballo» después de que una paloma blanca se posara en su hombro izquierdo, pues según Ramón existe una historia donde Olofi (dios creador) escoge los grandes sacerdotes mandándoles una paloma blanca para posarse sobre ellos en señal de bendición.

Incluso me solía contar que aquel gallego y abogado fue «bendecido» al nacer por un haitiano y que con apenas seis años, fue «iniciado en palo mayombe», bajo los ojos de su abuela Doña Dominga. Y que durante un viaje a África Fidel se hizo Ifá allá por 1970 bajo la tutela de Oddua, deida yoruba representante de Jesucristo. «Recuerdo que Fidel era un Babalawo excepcional, de hecho no se comportaba como tal pero siempre llevaba arriba sus cosas y de cierta forma se puede decir que gracias a eso escapo tantas veces a los intentos de asesinatos. Ese tipo era excepcional», me confeso en más de una ocasión.

De alguna forma cuando Stan Lee y Jack Kirby crean el personaje de Pantera Negra y su reino de Wakanda no podían imaginar la repercusión que pudiera tener el largometraje dirigido por Ryan Coogler en la gran pantalla.

Con un reparto totalmente afroamericano, con estrellas cinematográficas como la mexicana-keniana Lupita Nyong’o, Angela Basset o Forest Whitaker, «Black Panther» se adentra en el mundo occidental al culto y misticismo africano no solamente mostrando rituales bantús pertenecientes hoy al palo mayombe como es el ritual ancestral de cambio de vida realizado por el actor Forest Whitaker quien fue consagrado en Cuba.

Una consagración que llevó a aquellos que tacharon la película de desmadre narrativo con africanos a una histórica nominación a los Oscar, dejando a Netflix quien rompió su acuerdo con Marvel Studio, en la cuneta para recoger migajas con una película mexicana sin pies ni cabeza filmada en blanco y negro titulada Roma.




Tres decadas con Bruce Willis

Sergio Berrocal Jr.

Treinta años se cumplen del comienzo cinematográfico de Bruce Willis y de su alter ego John Mc Clane y su condenada mala suerte para estar siempre en el lugar incorrecto. Convertida en película de culto, La Jungla de Cristal, largometraje de 1988, dio paso a un nuevo cine de acción y creó al llamado héroe moderno. Cuando Willis fue elegido para interpretar a John Mc Clane, el héroe de esta despampanante película de acción, era conocido por su papel en la serie de televisión Luz de Luna pero entonces nadie daba un duro por él. En aquellos años los que esclavizaban al público eran Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone o Chuck Norris mientras que el John Mc Clane de Bruce Willis era el típico tío normal, desastroso con conflictos familiares que se convirtió en el primer antihéroe del cine.

Aprovechando el aniversario de La jungla de Cristal un joven guionista que debutó a finales de los noventa y que apenas nadie conoce toma prestado el ambiente de una película de 1974 titulada Infierno en la Torre y algunas que otras escenas de la película que lanzo a Bruce Willis y garrapatea el guion de una película titulada El Rascacielos.

Interpretada por Dwayne Johnson (conocido como The Rock) la historia gira en torno a Will Sawyer, antiguo líder del Equipo de Rescate de Rehenes del FBI y un veterano de los marines que en la actualidad trabaja como asesor de seguridad encargado de gestionar las infraestructuras de los rascacielos más grandes del mundo. Este actor de origen samoano es uno de los pocos que ha demostrado su valía como héroe de acción en una época en la que este tipo de galán está de capa caída, principalmente por el auge de los superhéroes.

Su director Rawson Marshall Thurber pretende que El rascacielos, filmado en Vancouver, Canadá, sea la nueva Jungla de Cristal. No obstante, cuando éste recurrió a Dwayne The Rock Johnson quiso asegurarse que la gente fuese a verla y con un luchador de la WWE metido a actor de éxito intentó asegurarse una cierta tranquilidad taquillera.

Dwayne debutó en The Mummy Returns, donde interpretaría el papel del Rey Escorpión y un tanto después la secuela de ésta, titulada The Scorpion King, al lado de Kelly Hu y el desaparecido Michael Clarke Duncan, gozaba ya de cierta fama en Hollywood y el hecho de que la trama del guerrero acadio apasionado por el duelo a espadas cuyos dominios se extendían desde la cuenca del Tigris y Éufrates, Elam, Siria y el Líbano pasando por la costa mediterránea había sido un éxito mundial aquel director novel vio las puertas abiertas a su demencial proyecto sin pie ni cabeza.

Licenciado por la Universidad de Miami en Fisiología y Criminología Dwayne The Rock Johnson, medio cansado del Wrestling y con miras a otros lares, decide compartir su tiempo entre el mundo de la lucha y el cine donde tras la legendaria cinta del Rey Escorpión encadena títulos como Fast & Furious 5, 6 ,7 y 8, Doom la puerta al Infierno, BeCool, Jumanji Proyecto Rampage o Baywatch (Los vigilantes de la Playa) junto a David Hasselhoff.

El error de la trama de la película El rascacielos es fácil de identificar: tiene 43 años, es natural de San Francisco y se llama Rawson Marshall, pues en aquella película de John McTiernan titulada La Jungla de Cristal todos éramos Bruce Willis. El antihéroe que todos queríamos ser. Sin embargo durante la década de los noventas muchos fueron los que ambicionaron revivir el histórico resultado de la Jungla de Cristal cuya recaudación fue de 140.767.956 dólares.

Títulos como Operación soldados de juguete de 1991, Máximo Riesgo de 1993, Doble mortal de 1995, Muerte súbita del mismo año, infierno de Cristal en 1996, Decisión crítica también en 1996, Point Blank en 1998 o Hard Rain fueron algunas de películas que quisieron ser y no pudieron.

En definitiva, el guion que el jovencito “escribió” es una peliculita de acción de serie b cuyas peripecias que el protagonista lleva a cabo para enfrentarse a un enemigo muy superior en armamento le convierten poco menos que en un superhéroe que vuela literalmente entre edificios.

Con este esbozo las cosas no es que no se tomen en serio, es que resultan ilógicas y ridículas.




La Viuda Negra

Sergio Berrocal Jr.

Acaso el ruido, la furia y la abracadabrante épica wagneriana que cerraba el ciclo de Los Vengadores en la penúltima fase del universo cinematográfico Marvel hagan olvidar a quienes se acerquen a Viuda Negra esperando algo similar que en el fondo todo siempre ha girado alrededor de las personas que se escondían dentro de los trajes y poderes de los superhéroes, de quienes eran y de cómo la anormalidad de sus condiciones excepcionales entraba en conflicto con la normalidad de personajes que tenían nombre y apellidos más allá de su marca registrada como héroe. Siguiendo esta lógica, que no ahorra al espectador sus secuencias de acción de dejarte sin habla (por ejemplo el enfrentamiento final en la Habitación Roja), Viuda Negra es una película sobre Natasha Romanoff, sobre el peso de su pasado y por encima de todo sobre la familia.

En cierta forma, este mundo Marvel en imágenes en movimiento coordinado por Kevin Feige comenzó exactamente igual que aquí con la dickensiana fábula de un Tony Stark que se encontraba a sí mismo y empezaba a hacer las paces con su ayer; o sea, con Iron Man. Viuda Negra está muy cerca formalmente de esa caligrafía y esa calma narrativa casi de serie B (con más presupuesto que toda la serie B de Hollywood junta, claro) porque siempre está atenta a las escenas intimistas, sean de poso más dramático o más abiertamente cómico, porque es en ellas donde la acción avanza y donde se va construyendo no solo la mitología del personaje que ha hecho suyo Scarlett Johansson, sino la genealogía de éste y del de Florence Pugh, esa Yelena Belova destinada a formar parte de este mundo.

Tomando como modelo el cine de espías modalidad Guerra Fría, Viuda Negra coquetea con ágil gracia en la conspiranoia ci-fi del Harry Palmer de Ipcress, con la lucha cuerpo a cuerpo de ese también outsider que es Jason Bourne y con el emblemático y obligado canon 007(Moonraker en un televisor y en el clímax final), pero su alma y corazón están más cerca de Un lugar en ninguna parte, la odisea familiar de unos fugitivos del FBI dirigida por Sidney Lumet.

En los mejores momentos de la película de Cate Shortland se nota esa deuda con Lumet: las dos reuniones alrededor de una mesa de la familia Romanoff, las conversaciones entre las hermanas o el precioso instante de ese maravillo y humano Guardián Rojo (David Harbour, todo sentido de la comedia y de calidez humana) sentado en silencio en el dormitorio junto a Yelena. Planificada de tal forma que cada gran secuencia (la persecución en Budapest, el asalto a la penitenciaría, la entrada en la Habitación Roja) encierra un paso, una pieza, en el conocimiento de cómo son y qué sienten los personajes, Viuda Negra es seguramente la aventura Marvel con un mayor calado emocional junto al epílogo de Endgame. «Vengadores: Endgame» hizo muchas cosas bien para los fans de Marvel, pero había un elemento que molestó a muchos espectadores devotos al Universo Cinematográfico de Marvel (UCM).

Tony Stark (Robert Downey Jr) recibió la despedida que se merecía después de sacrificar su vida para derrotar a Thanos de una vez por todas. Los momentos finales de ‘Endgame’ se centraron en su funeral, donde todos, incluso Harley Keener, asistieron para llorar su trágica muerte. Todos excepto Natasha Romanoff (Scarlett Johansson), quien se había sacrificado antes para que los Vengadores restantes pudieran obtener la Gema del Alma. Más allá de una conversación después de su muerte, su sacrificio no tuvo el mismo peso que el de Tony, y los fans de Marvel no estaban contentos con ello.

Después de todo, ¿no debería haber sido un funeral conjunto? Si no fuera por el sacrificio de Natasha, Tony no habría podido decir «Soy Iron Man» y salvar el día. Pero no, Natasha no tuvo un funeral y, por lo que pudimos ver en «Endgame» nada que llore su muerte o recuerde su dedicación a los Vengadores. Sin embargo, con el estreno de ‘Viuda Negra’, este gran error se ha corregido para garantizar que los fans de Marvel sepan que el sacrificio de Natasha está en la memoria de todos.

En el momento del estreno de ‘Endgame’, el coguionista Christopher Markus justificó la falta de un funeral para Natasha en la película debido a su personalidad y estilo de vida. «Tony tiene un funeral. Natasha no. Eso es en parte porque Tony es una figura pública masiva y ella ha estado en las sombras todo el tiempo. No era necesariamente honesto para el personaje darle un funeral», dijo.

El codirector Joe Russo siguió diciendo que dado que Natasha tenía otra película en el UCM en el futuro próximo y Tony no, tenían que «darle un cierre a Tony Stark» y que ‘Viuda Negra’ tenía la oportunidad de hacer lo mismo por Natasha. Como ya contaba mucha historia, ‘Endgame’ simplemente no tenía tiempo para ambos. Dado que ‘Viuda Negra’ tenía lugar antes en la historia del UCM (ya que Natasha estaba, ya sabes, muerta), parecía poco probable que su tan esperada película en solitario pudiera traer el cierre y el reconocimiento que su personaje merecía. Pero además de llenar los espacios en blanco en su historia de fondo, ‘Viuda Negra’ rectifica el error de ‘Endgame’ y reconoce el sacrificio de Natasha. Puede que no sea el evento lleno de Vengadores que recibe Tony, pero se siente más apropiado para el personaje.

El momento llega en la escena poscréditos de ‘Viuda Negra’, que tiene lugar después de ‘Endgame’ en la línea temporal del UCM. Vemos a Yelena (Florence Pugh) visitar la tumba de Natasha. No se especifica exactamente dónde, pero dado que Valentina (Julia Louis-Dreyfus) bromea diciendo que es «alérgica al Midwest», podríamos asumir que es en Ohio donde Natasha y Yelena crecieron con sus ‘padres’, Melina (Rachel Weisz) y Alexei (David Harbour).

«Hija. Hermana. Vengadora», se lee en la tumba, e independientemente de si ha sido Yelena la que lo arregló todo o si fueron los compañeros Vengadores de Natasha, es una señal de que ella no ha sido olvidada y aquellos que quieren rendir tributo pueden hacerlo. Casi se siente como una respuesta directa a las críticas de ‘Endgame’, especialmente porque la escena fue en realidad parte de las nuevas grabaciones de «Viuda Negra» en el invierno de 2020 (el resto se rodó entre mayo y septiembre de 2019).




Como menoscabar famosas series en un solo paso

Sergio Berrocal Jr.

En 1972, cuatro de los mejores hombres del ejército norteamericano que formaban un comando fueron encarcelados por un delito que no habían cometido. No tardaron en fugarse de la prisión en la que se encontraban recluidos. Hoy, todavía buscados por el gobierno, sobreviven como soldados de fortuna. Si usted tiene algún problema y los encuentra, quizá pueda contratarlos… Esta es la tarjeta de visita de una de las series televisivas de más éxito en el mundo entero, «El equipo A / The A Team», que desde su estreno no ha parado de dar vueltas en las pantallas pequeñas de los cinco continentes.

La década de los años ochenta fue muy productiva en cuanto a televisión. La pequeña pantalla se llenó de series que enganchaban a la audiencia día tras día delante de la ‘caja tonta’ para no perderse las andanzas tan variopintas de los personajes de ficciones como V, Cristal o El equipo A, siendo ésta última una de las preferidas por los jóvenes y adolescentes de aquella época.

En 2010, el iluminado director norteamericano Joseph Aaron Carnahan adapta la mítica serie del Equipo A en un guión cinematográfico que nada tiene que ver con la idea original  y menos aún si hablamos de su elenco entre los cuales encontrábamos a Liam Neeson, Bradley Cooper, Quinton Jackson, Sharilto Copley y una sexy Jessica Biel que tan solo añade unos grados de temperatura al supuesto elenco de Carnahan.

No se bien como definir ese viaje a base de chicha de yuca mental y gotitas de agua con misterio… Talvez sea que nos hayamos confundido de época y que la guerra de guerra del Vietnam se haya trasladado por arte de magia a un portal bidimensional  y esto haya pasado durante el nuevo milenio y no en 1975.

O es que John Fitzgerald Kennedy y Robert McNamara (secretario de defensa de la época) resucitaron y los famoso «Black Hawkes» se equivocaron de destino y no estaban en Vietnam sino en en Irak. Una incógnita que debería ser contestada por algún historiador.

Incoherencias argumentales cuyo reconocido director y productor de la NBC Glen Larson también cometió cuando retomo el guión en 2008 «Knight Rider» (El coche fantástico) El capítulo piloto que fue estrenado por la NBC como gancho para experimentar a los telespectadores y ver como cuajaba el regreso de KITT entre las nuevas generaciones con la única diferencia según Glen Larson que el prototipo del coche fue modificado para llevar el antiguo Pontiac V8 a otro nivel. El resultado fue que aquel vehículo de culto conducido por David Hasselhof termino siendo un GT500KR, el cual provoco el decline de audiencia  y su cese inmediato dejando de lado un futuro proyecto cinematográfico.

En 1984 el director Hug Wilson, Paul Maslansky, Neal Israel y Pat Proft conceptúen el guion de unas de las más delirantes películas de Hollywood, »Loca Academia de Policía», la idea surgió en la época en la cual Mary Sue Beal es elegida alcaldesa de Toronto y esta anunciaba su intención de realizar cambios drásticos en el reclutamiento de candidatos a la formación de policías de la ciudad.

Rodada en un antiguo hospital psiquiátrico situado en Etobicoke (Toronto), la historia gira entorno a las nuevas normas dictadas por la gobernadora significan que el sexo, el peso, la altura y la inteligencia ya no serán factores decisivos para alistarse en las fuerzas del orden. Esto abre las puertas de toda clase de chusma, para disgusto de los instructores, si bien es cierto que no todo el mundo estará ahí por gusto, como Mahoney cuya alternativa era la prisión, y que intentará por todos los medios que le expulsen hasta que se da cuenta de que le gusta ser cadete de la academia.

Hoy, treinta y cuatro años después, dos cómicos estadounidense Keegan Michael-Key y Jordan Peele anuncian estar interesado en producir una nueva adaptación de la misma junto a los guiónistas Ike Barinholtz y David Stassen ambos responsables por la serie The Mindy Project. Se dice que la nueva adaptación de la mítica película ochentera se titularía: «Loca Academia de Policía: Next Generation».

Es de esperar que no la decortiquen como hicieron con la adaptación de la mítica serie «Green Hornet» que protagonizaban originalmente Van Williams y Bruce Lee. Y no es de extrañar, sobre todo cuando el semáforo rojo del guionista Seth Rogen desvarió hasta volver un poco más paranoicos a los dirigentes de Corea del Norte. ¿A quién se le ocurre hacer una película titulada «Una Loca entrevista» y mofarse a cara descubierta de un dictador ¿será que el semáforo se quedó pillado? Lo más gracioso de todo esto es observar desde la barrera como la academia América del cine está a curso de ideas e intenta ampliar horizontes en Cuba y la legendaria escuela de cine de San Antonio de los Baños.




A Escrava Rainha

Sergio Berrocal Jr.

En la noche del 31 de marzo de 1964, el general Mourão Filho realizó una llamada a las armas que marcó el comienzo de una dictadura militar en un país llamado Brasil. Un golpe que duraría veinte años. Años en los cuales pensadores progresista y filósofos se vieron obligados a exiliarse a otros países para huir de la censura y de las persecuciones militar. Este fue el caso del ex presidente brasileño Fernando Henrique Cardoso entre muchos otros. Fue una época de contracultura donde por aquellos años un artista plástico llamado Marcel Camus metido a ayudante de cine decide rodar la película titulada “Orfeo Negro”, marcando así por primera vez el género romántico del cine brasileño en la gran pantalla. En aquel entonces ser un intelectual durante la quinta república brasileña era sinónimo de magnicidio al libre pensamiento. Y a pesar de toda gente como Marcel Camus lanzó sin saberlo la primera reflexión crítica audiovisual sobre el submundo social brasileño “as favelas do Rio de Janeiro”. Con una trama simple, Camus relata la historia de la bella Eurídice, que llega a Río de Janeiro en vísperas de su famoso carnaval, donde será acogida por una prima que vive en un arrabal de favelas de la ciudad. Se acerca allí, entre el frenesí de la samba por las calles, en un tranvía cuyo conductor, un músico llamado Orfeo, héroe popular del lugar por el poder de seducción de sus canciones, se fija en sus encantos.

Sin embargo, la relación de éste con ella se verá afectada por las sospechas de su celosa novia. La pasión los sumergirá en el trance vertiginoso del carnaval, que a su vez los arrastrará a un desenlace fatídico. Como en el mito griego, Orfeo, aún siendo capaz de hacer levantarse el sol con su música y su canto, y de embelesar a todos los que lo oyen, no consigue realizar su amor. La película consiguió la Palma de Oro del festival de Cannes en 1959 y en los Oscar en 1960 se le consideró como mejor película extranjera de habla no inglesa.

Sin saberlo Marcel Camus impulsa un nuevo género y formato que treinta años después un director carioca llamado Walter Avancini retomaría para dar el paso a las famosas telenovelas brasileñas. Mientras, del otro lado del charco los intelectuales exiliados brasileños obligados a vivir en silencio como simples observadores, mientras que su propio país conoce la opresión, el joven director Avancini lanza por primera vez en televisión la primera novela titulada “A Indomável”, escrita por Ivani Ribeiro. Sin embargo, el toque personal y la genialidad de Walter Avancini llegó cuando lanzo la telenovela titulada “Xica da Silva A Escrava Rainha”.

Inspirada en la vida de “Francisca da Silva de Oliveira”, una de las mujeres más célebres del Brasil colonial, que fue la esclava libertada que vivió a mediados del siglo XVIII en Tijuca (Diamantina, Minas Gerais), fue concubina de un cacique con quien tuvo trece hijos y se convirtió en la persona más rica y poderosa de la región. Emitida en 1996 y 1997 Xica da Silva, es sin duda la obra prima de Walter Avancini no solamente por su trama sobre la esclavitud, sino también por la fiel adaptación histórica que procede del mito de aquella mujer.

Aunque existe una versión cinematográfica sobre dicha esclava reina dirigido por Carlos Diegues e interpretada por la actriz Zezé Motta, muchos piensan que este director fue quien mejoro y adaptó sin tener que modernizar la leyenda de Francisca da Silva de Oliveira. Fue en la década de 1980 cuando comienzan a surgir los cineastas formados en distintas escuelas de cine localizadas en universidades públicas, como la Escuela de Comunicación y Artes de la Universidad de São Paulo, la Universidad Federal Fluminense y la Universidad de Brasilia.

Aquella capital moderna, bautizada con el nombre de Brasilia, fue construida por Oscar Nimeyer y Lucio Costa bajo los ojos del Presidente Juscelino Kubitschek de Oliveira y guiado por la visión del precursor de la orden de los salesianos, un pequeño monje llamado Giovanni Melchiorre Bosco. Dicen que el 30 de agosto de 1883 aquel fraile italiano había soñado que nacía una nueva bandera en nuevas tierras lejos de la vieja Europa.“Longe, lá num sertão vai surgir uma bandeira que será o símbolo de um novo amanecer na forma de um Pombo Branco”, consta la cita

Desde aquel momento la leyenda de Brasilia se convirtió en un referente de todos los movimientos contraculturales haciendo que aquellos exiliados por la dictadura volviesen a casa. Entre ellos un joven Fernando Henrique Cardoso convertido en Senador por São Paulo y socio fundador del Partido Socialdemócrata Brasileño(PSDB)quien años más tarde sería nombrado ministro de relaciones exteriores de Itamar Franco y posteriormente Ministro de Hacienda. Terminaría su carrera como Presidente de la República, puesto en el que cumplió dos mandatos.A pesar de muchos y tras vencer en los comicios presidenciales de 1998 por segunda vez, Cardoso se convirtió en el primer presidente reelegido de la historia, siendo lo que muchos denominan el primer gobernador de guantes blancos de la contracultura pos dictatorial.